O que segue neste post deve muito a Adriano Brandão e a Antonio Ayres em prolíficos anos do fórum do Allegro
No último post nos propusemos a encontrar alguma utilidade verdadeira em se pensar o que seja “música clássica”. A primeira conclusão a que chegamos foi de que é menos importante discutirmos a expressão – se “música clássica”, “música erudita”, “música de concerto” ou “música de linguagem” –, e menos importante decidirmos se Gershwin é clássico ou popular, do que entendermos que “música clássica” não pode se referir à idéia de um estilo ao lado de outros tantos estilos de música, mas sim à idéia de um grande gênero, tal como a música popular, contendo diversos estilos subordinados a ela. Ou você faz essa distinção, ou pode ficar: 1) simplesmente surdo às diferenças de estilo de uma música de 800 anos de diversidade; e 2) simplesmente cético àquilo que torna a técnica e o tipo de audição da música clássica um pouco diferentes de toda a música popular.
Agora só falta descobrir melhor que diferença de técnica é essa, e ver se vale a pena comprar a idéia de que a música clássica pode impor uma condição de entendimento e fruição sem que isso me faça desistir de ouvi-la por ter muita preguiça.
Definição de técnica
Comecemos brevemente pelo que seja “técnica”. Vamos supor que a gente consiga abstrair todas as circunstâncias da música: origem, meio, finalidade, etc. O que sobra é um objeto feito de sons e silêncios. Na construção desse objeto, entra necessariamente algo chamado “técnica”. Técnica é o jeito de fazer o objeto. Há uma infinidade de maneiras de se fazê-lo, e a escolha de uma maneira define diretamente como será esse objeto em si mesmo, e como ele se apresentará para o público. Agora é só compararmos.
Música popular
Peguemos uma composição de música popular: de jazz, por exemplo, seja o bepop, o free jazz ou o cool jazz. O músico que a escreve aprendeu a criar diferentes seqüências de quatro ou oito acordes ao piano, a temperar os acordes com inversões e a improvisar melodias sobre determinadas escalas. Ou seja: ele conhece o estilo, gosta dele e aprendeu a sua técnica geral. A partir daí, a sua preocupação não será mais a escolha de uma técnica geral – pois essa escolha já foi feita –, mas a “expressão” da música criada com essa técnica. Quer dizer, uma vez escolhida a técnica, a sua preocupação terá mais a ver com a produção do conteúdo expressivo da música – a identidade dos seus temas, a beleza e a qualidade do som, a surpresa pela diversidade diante dos termos da técnica empregada – do que com qualquer outra coisa. E aqui já temos o retrato do papel da técnica nessa música: pra que a música popular, com toda a sua identidade e expressividade, venha à luz do dia, ela precisa ser confrontada a uma técnica, que o seu compositor terá escolhido e reproduzido conforme aprendeu.
Se ele tiver conhecimento de causa, ele pode manipular essa técnica? Sim, naturalmente – não há por definição esse tipo de limitação na música popular. Apenas vale lembrar que uma mudança de técnica acarreta um problema: a manipulação da técnica que ele escolher não deve chegar a transformar a música em um outro estilo de música, ou então ele estará sabotando um elemento sintático com o seu próprio público. Por isso a criação de novos estilos costuma ser fundada mais em mudanças de conteúdo expressivo (como o sincretismo do jazz fusion ou o do rock progressivo, com a incorporação de ritmos e timbres de outros estilos) do que em mudanças técnicas e formais – coisa bem mais rara de acontecer.
Claro…
E só pra deixar claro: é óbvio que esse músico de jazz, por si próprio, pode se interessar por diferentes estilos na sua carreira, aprender diferentes técnicas e escrever diferentes tipos de música – há muitos músicos cuja experiência musical mais profunda é a ambivalência de estilos, em álbuns que misturam faixas de hip-hop, blues, samba e rock. Isso apenas mostra que é a técnica que faz o músico, e não o contrário (pra que não se diga que “é música popular porque é Chico Buarque” ou “é música clássica porque é Mozart”, etc.). Agora vejamos a diferença na música clássica.
Música clássica
Na música clássica existem algumas formas tradicionais, que requerem cada uma a sua técnica – como as regras do contraponto e da imitação em uma fuga, a expectativa de modulação de tonalidade na seção de Desenvolvimento na forma-sonata, a execução das 12 notas de uma escala cromática em uma série da música serialista, etc. Há também formas que são simplesmente irreconhecíveis de antemão – como as composições que começam a receber o nome de fantasia, referindo-se a uma forma concebida exclusivamente para aquela composição. Há formas ambíguas – como as variações-sonatas (a Fantasia Wanderer de Schubert, a Sonata em Si menor de Liszt, a Sinfonia de Câmara Op. 9 de Schoenberg). E há formas simplesmente irreconhecíveis mesmo – como as últimas óperas de Wagner, as óperas de Berg, etc. Um compositor que queira escolher uma dessas formas, ou criar uma nova forma, terá que lidar com o fato de que essas formas, na sua variedade, não mudam apenas por uma questão estilística, mas mudam porque cada uma dessas formas também é apreciável em si mesma: forma-sonata, cânone, passacaglia, variações, etc. não são apenas “forma”, mas também “conteúdo”.
O quê?!
Sim, na música clássica, aquele objeto de sons e silêncios é construído com uma técnica que reflete não só uma plena consciência da linguagem musical por parte do seu autor, mas também uma manipulação (e não apenas reprodução) dessa linguagem pra que ela seja um meio de expressão válido em si mesmo. Um dos melhores exemplos disso, retomando aqui um exemplo dado no post anterior, é a estrutura com valor próprio incorporada em uma longa sinfonia de Bruckner: a estrutura que Bruckner retoma da tradição das sinfonias e que te ajuda a ordenar a massa sonora é uma verdadeira filosofia dialética, em que você vê os elementos musicais se organizando em uma verdadeira jornada de Exposição, Desenvolvimento e Reexposição, e esse conteúdo reside justamente na forma que a música assume. Quer dizer, além da música clássica assumir um conteúdo expressivo, ela assume um conteúdo formal, em que coisas acontecem na forma e se oferecem para serem igualmente apreciadas como significado e como arte. E eis o retrato da técnica na música clássica: aqui, o jeito de fazer a música determina que a forma também vai carregar conteúdo, sempre (dos madrigais renascentistas ao Répons de Boulez). Não há muito espaço para a técnica ser simplesmente reproduzida, porque a característica da técnica da música clássica é prever uma manipulação de linguagem que torne a própria linguagem – o suporte ordenador do conteúdo expressivo – apreciável em si mesma.
E eu-qué-co?
Por fim, considerar essa diferença de técnica é considerar a postura do ouvinte de música: muitas vezes o ouvinte perde de vista a intencionalidade por trás do conteúdo expressivo da música clássica, que é o que torna essa expressão pertinente, porque não está apreciando o papel da forma, da técnica nessa música. O problema de uma audição “natural”, que não assuma jamais a responsabilidade de prestar atenção em coisas como forma e linguagem, é um problema comum dessa perda de significado do ouvinte diante da música clássica. O exemplo grosseiro do último post provocava justamente essa reflexão: onde reside a apreciação artística e formal, e não meramente sensível e passiva, da música clássica? A resposta: no conteúdo da forma.
Claro…
É claro, isso não significa que a forma não é importante na música popular, ou que o ouvinte de música popular seja sempre simplesmente passivo ao banho sonoro de ligar o som e esquecer de tudo e até de si mesmo. O conteúdo da música popular também impõe condições de apreciação, de familiaridade ao seu conteúdo expressivo. Mas o papel dado à sua forma não é o de ser um conteúdo de apreciação sempre recriável, e sim o de ter uma permanência que faz dessa forma a verdadeira afirmação da identidade de um estilo. Ou seja: é pela preservação da sua forma que um estilo na música popular prova a sua produtividade. E essa forma é uma forma que o público e os músicos já aprenderam a apreciar, e também já aprenderam a fazê-la abrigar uma gama de diversidade expressiva. Resumindo: na música popular, uma forma é reproduzida por consenso e o conteúdo expressivo é apreciado. Na música clássica, a escolha e a elaboração formal é uma constante e se alça para a apreciação junto ao conteúdo expressivo.
Próximo…
Pra um próximo e terceiro post da saga, só falta mostrar na prática o que é esse tal “conteúdo da forma”, e em seguida entendermos que essa noção aparentemente artificial de música – de atenção a uma linguagem apreciável – não é exclusividade de especialistas, não é exclusividade de leitores de manuais, e não é trabalho infantil: é só experimentar!
Até a próxima!
Como se vê, a saga acabou ficando prevista em QUATRO posts, e não apenas três, como no começo. Por isso até mudei o finzinho do primeiro post, explicando melhor esse roteiro.
Vc conseguiu explicar de forma didática o que eu tento explicar há anos, sem sucesso. Parabéns Leonardo!
Uau, fantástico esse post. Essa é a introdução que eu sempre esperei ler num bom manual sobre música. =)
Excelente! A questão da forma carregar conteúdo em si própria é, em minha visão, a característica mais complicada de se explicar a alguém que não conhece música erudita e o texto está muito objetivo. Excelente!
Adorei este novo blog. Aos amigos da música mando o link para uma pequena apresentação que fiz, ha algum tempo:
http://www.dsc.ufcg.edu.br/~ulrich/musik/musica.ppt
Talvez alguém possa se interessar e comentar. O ppt ainda precisa de um fundo musical que fiquei por fazer.
Leonardo, que espetáculo essa sua série de posts!
O formato do Euterpe está fenomenal, tanto em seu caráter multimídia quanto no sentido de que os comentários já partem de textos de alta qualidade como este aqui.
Com relação ao assunto clássico x popular, uma metáfora que li uma vez e achei muitíssimo interessante – e que vai no mesmo sentido do seu texto – foi citada acredito que pelo Amâncio, não me lembro se no Allegro ou no Presto. Era baseada na literatura, e usava como exemplo a literatura de cordel (um gênero popular até a raiz). Era mais ou menos assim: o escritor desse gênero não estuda a forma dos textos para escrever seus livros; ele o faz de forma orgânica, natural, simplesmente escreve. É diferente se um grande escritor, como Guimarães Rosa, tivesse estudado a estrutura de literatura de cordel e escrevesse um livro neste estilo.
Espero ter sido fiel tanto à idéia do Amâncio quando à sua! ;)
[]’s
Olá Volnei! Essa metáfora tem bem minha cara, e lembro mesmo de ter escrito algo parecido para o Igor, do Allegro. Mas acho que o exemplo da literatura do cordel era do Berber…
Volnei, obrigado pelo comentário! O exemplo da literatura de cordel era do Adriano!, rs. Ele dizia que um cordelista justamente *reproduz* a técnica que aprendeu e de que gosta, mas se um escritor (que não um cordelista) decidir escrever Ulysses em forma de cordel, ele vai estudar a linguagem do cordel e fazer uma brincadeira formal, um pastiche que *manipula* a linguagem pra contar o dia de Leopold Bloom, e aí é que vai estar a graça. Confesso que essa foi a única vez que vi um texto que abordava algo da questão da técnica que distingue a idéia de uma música clássica em contraste com uma música popular. É um argumento muito precioso que procurei explorar bastante nesses posts.
Abraços!
Parabéns Leonardo.
Gostei também de ter citado dois grandes ídolos meus: Mozart e Chico Buarque. rs
[]s
Carlos Correia
tecnicasdecomposicao.blogspot.com
Leonardo, você é profundo e claro, e de uma agudeza notável.
A máxima de Ortega y Gasset, “La claridad es la cortesia del filosofo”, cai-lhe bem.
Muito obrigado pelo elogio, Emerson! :) Essa série trata de um assunto que provavelmente ainda será até retomado no blog, porque é um assunto muito abrangente. Mas fico feliz que esses apontamentos mais pontuais tenham dado uma idéia clara.
Um grande abraço!
Meus parabéns pelos textos! Blog sensacional! Falando de um modo simplificado, de acordo com o post, podemos afirmar que, na música erudita, a forma é tão importante quanto o conteúdo; certo?
Ale,
Sim, essa é uma consequência natural da origem histórica da música clássica!
Abraços!
https://web.archive.org/web/20030816011951/http://www.allegrobr.com/comunidade/forum.cfm?a=topico&b=2222
Mensagens 23 e 26 :)
Adriano, não aparece, mas imagino que sejam exatamente as mensagens que na época eu guardei do Allegro sobre este tema! Comentei aí em cima que foi a primeira vez que entrei em contato com essa reflexão, em que você estava envolvido! É uma reflexão que merece muito ser divulgada.
E é curioso pensar nisso depois desses anos: de fato, uma consequência da história do que se passou a reconhecer como música clássica é o conteúdo da forma, típico da abstração da escrita (o discurso verbal também tem consequência parecida na tradição escrita). Mas hoje em dia eu me sinto menos normativo em sugerir que a fruição da música clássica se dê necessariamente por esse aspecto! Vejo a arte mais como uma porta de entrada na qual você entra com aquilo que tem e se enriquece depois disso, e isso pode acontecer de milhares de formas.
É uma reflexão muito atual e que ainda pode ser plenamente retomada.
Prezado, não entendo nada de música clássica, somente as ouço e aproveito o momento. Mas queria saber sobre seus fundamentos. É mera inspiração? Conjunto de sobs milimetricamente estudados e compostos ou tem um significado pir trás? Quando é cantado fica mais fácil entender o que querem transmitir de mensagem. Nu fundo era isso que gostaria de saber. Estou pesquisando sobre Saint George e queria saber suas motivações para escrever suas composições. E de todos os demais em geral. Tem alguma obra que indique? Queria saber se são somente um belo arranjo, com técnica ou se trazem algum contexto, um significado… obrigada.
Olá, Priscila! O texto acima trata justamente disso! Outros que você pode ler são algumas análises: http://euterpe.blog.br/analise-e-teoria/analise-de-obra/nona-sinfonia-de-beethoven, http://euterpe.blog.br/analise-e-teoria/analise-de-obra/forma-sonata-de-concerto, http://euterpe.blog.br/analise-e-teoria/analise-de-obra/tema-com-variacoes, http://euterpe.blog.br/analise-e-teoria/analise-de-obra/musica-classica-ouvindo-arte-na-pratica.
Ou seja, uma coisa não exclui a outra: é técnica, é manipulação da forma para torná-la profundamente significativa, é inspiração etc. Em suma, é a arte dos sons.
Abraço!